Auteur : Sylvain Leurent - Directeur de mémoire : Rolan Ménégon
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Résumé :
Lumière et photographie de mode sont deux notions porteuses d’un imaginaire collectif fécond. On attribue à la lumière, un rôle à la fois technique mais aussi mystique, propre à susciter les émotions. Quant au photographe de mode, il sera tour à tour, vu comme un artisan faisant une utilisation virtuose de ce phénomène physique, et comme un véritable artiste demiurge manipulant une lumière « magique ». Au-delà d’un simple outil technique, la lumière semble être un véritable prolongement de son identité visuelle. Nous tenterons d’élucider cette question en analysant successivement la lumière en tant que phénomène physique et signifiant en photographie de mode, la lumière dans l’oeuvre de trois photographes de mode et la lu-mière comme composante du style du photographe. En tant que phénomène physique indispensable à l’existence de la photographie, la lumière se caractérise par sa qualité et sa quantité. Ces caractéristiques physiques, ainsi que la nature du sujet éclairé, vont déterminer les luminances de la scène. Celles-ci vont alors pouvoir être enregistrées ou plutôt interprétées par l’appareil photo. La photographie de mode, par la variété de ses objets photographiés et par sa dimension artistique, fait un usage maîtrisé et créatif de ce phénomène physique afin de véhiculer ses messages. La lumière incarne ici pleinement son rôle fonctionnel, esthétique mais aussi symbolique. A la fois fond et forme, elle permet aussi bien de montrer le vêtement, de sublimer le réel, de capter l’ « air du temps » que de susciter une émotion. Objet de toutes les attentions, elle est vite devenue une signature de l’identité visuelle des photographes de mode qui la manipulent. Emprunte d’une grande subjectivité, elle constitue dans une certaine mesure, le reflet visible de l’identité de celui qui l’utilise. Il est frappant de constater que les trois photographes étudiés dans ce mémoire font un usage radicalement différent de la lumière dans leur travail. Ainsi, le photographe de mode iranien Ali Mahdavi, exprime sa fascination pour l’univers glamour hollywoodien des années trente, en adaptant dans son travail les codes lumineux de cette époque, et en y ajoutant une dimension dramatique et ostentatoire. De son côté, Paolo Roversi privilégie une esthétique teintée de pictorialisme, faisant la large part au flou et aux surprises apportées par une lumière maîtrisée mais non totalement contrôlée. Enfin, Éric Traoré, expérimente continuellement autour de la lumière afin de révéler sa vision du beau et possède ainsi une identité visuelle en constante évolution. Toutefois, il serait faux de penser que ces photographes, tout comme les autres photographes de mode, puissent exprimer librement leur identité visuelle à travers la lumière. Entre pratique artistique et enjeux économiques, le traitement de la lumière par le photographe est le plus souvent soumis à des contraintes extérieures venant des agences de publicité, des rédactions de mode ou des clients eux-mêmes. Ces contraintes et la logique de concurrence qui en résulte, influent directement sur le style du photographe. On assistera alors à un nivellement des styles et des identités conduisant quelquefois à leur disparition. Aussi, la lumière ne saurait représenter fidèlement l’identité visuelle du photographe tant elle ne constitue qu’une partie de celle-ci et tant son usage est soumis à des contraintes pesant sur les choix du photographe.
Abstract :
Light and fashion photography are two concepts that play upon a fertile collective imagination. One attributes not just a technical but also a mystical role to light, recognizing its propensity to arouse emotions. As for the fashion photographer, he will be viewed alternately as a craftsman making virtuosic use of this physical phenomenon, and as a demiurge artist manipulating a "magical" light. More than a simple technical tool, the light seems to be a true extension of its own identity. We will try to clarify this issue by analyzing light as a physical and signifying phenomenon in fashion photography, by exploring its role in the work of three fashion photographers, and by analyzing it as a component of the style of the photographer. As a physical phenomenon, essential to the very existence of photography, light is charactrized by its quality and quantity. These physical characteristics, in addition to the nature of the illuminated subject, will determine the luminance of the scene, and will then be recorded – or rather, interpreted – by the camera. Fashion photography, due to the variety of its photographed subjects and its artistic dimension, makes creative and controlled use of this physical phenomenon in order to deliver its messages. Here, light can play its functional, aesthetic, but also symbolic roles. At once both substance and form, it allows the clothes to be seen, reality to be sublimated, the spirit of the times to be captured, and emotion to be evoked. The object of all attention, light quickly became a signature of the visual identity of the fashion photographers who manipulate it. Highly subjective, it constitutes to a certain extent the visible reflection of the identity of the person using it. It is striking how the three photographers examined in this thesis employ light in such radically different ways in their work. The Iranian fashion photographer Ali Mahdavi expresses his fascination for the glamour of 1930s Hollywood, drawing upon and evoking the lighting codes of the period in his work, and adding a dramatic and ostentatious dimension. For his part, Paolo Roversi emphasizes a Pictorialist aesthetic, full of vagueness and surprise produced by a light that is managed yet never completely controlled. Finally, Éric Traoré ex-periments continuously with light to reveal his own vision of beauty, his visual identity thereby remaining in constant evolution.
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