L’investissement du mur d’exposition pour la création d’un discours visuel sur la base de l’assemblage de photographies interroge sur le statut fragmentaire de ce médium et sur le sens à donner à son intégration au sein d’une pièce apparentée à la forme mosaïque. Cette question ouvrant sur une remise en cause des modes usuels d’exposition de l’image photographique avec son isolement sur le mur renforcé par le cadre, il convient de comprendre comment certains photographes en sont venus à recomposer l’espace pour soutenir le sens à donner à leurs images. La création de ces pièces se rattachant à la forme mosaïque implique l’assimilation de la photographie à un fragment. Et ce fragment peut être décliné en différents statuts. Avant tout échantillon d’un monde auquel elle se réfère, elle peut également être rapprochée d’un fragment de mémoire et donc du souvenir, ou revêtir les traits d’une unité close et dégagée de son référent réel, ou finalement s’identifier à une totalité symbolique que représente la série. Selon la nature fragmentaire de l’image, la composition et le sens donné au discours visuel qu’elle vient étayer ne trouvent pas le même écho. Au travers de la mosaïque Antoine d’Agata transcende sa vision d’un monde complexe et tente d’écrire un discours décrivant son expérience. D’Agata envisageant la photographie comme un médium limité tente de nous éclairer sur son rapport avec le monde et la photographie, en faisant résonner des images, a priori disparates, pour leur donner un second souffle. Il nous invite à pénétrer son univers mental en fragmentant la forme narrative pour pousser le regard du spectateur à déambuler selon ses propres règles. Et avec Common Sense de Martin Parr, on voit se profiler la critique construite d’une société de consommation entraînant une universalisation du mauvais goût et du toc. Cette critique se base sur une observation minutieuse des travers de la surconsommation afin de les exploiter pour en faire la parodie. Ainsi, il entame une dévalorisation de l’un des premiers objets de consommation dans nos sociétés post-industrialisées : la photographie. Et conscient que la forme mosaïque est à l’image de la mondialisation, il crée une pièce présentant des tirages jusqu’à écoeurement, transcendant ainsi son message jusque dans la forme qu’il donne à son travail exposé.
Abstract:
The exhibition of a visual discourse based on an assemblage of photographs raises the question of the very significance of a photograph as a fragment and its impact once integrated in a mosaic. It calls into question the common exhibition schemes for photographs, usually simply displayed in isolated frames, and leads us to wonder what line of thought some photographers followed when they came to rethink the exhibition void in order to link it to the meaning they wanted to give to their work. The creation of those photographic patchworks requires the photograph to be considered as a fragment, and the notion of fragment have multiple aspects. Primarily looked upon as a sample of the world to which it refers, the photograph is a fragment of memory, a recollection, but it can also be considered as a single abstract object, detached from the reality of its primary subject, or as a fraction of a symbolic whole in the case of a series. Depending on the type of fragment associated with the picture, it puts the meaning of the visual discourse into different perspectives. With patchwork, Antoine D’AGATA transcends his view of a complex world and tries to compose a discourse that would describe his experience. D’AGATA, considering photography as a limited medium, tries to enlighten us on his connection with the world and photography by putting together apparently disparate pictures, hence giving them a new lease of life. He invites us to enter his inner self by dividing the narration and hence setting the viewer free of any kind of visualization constraint. In Common Sense, Martin Parr criticizes the society of consumption which implies the universalization of vulgarity and imitation. This criticism is based on a minute observation of the failings of overconsumption and parodies them. Martin Paar consequently initiates a depreciation of one of the main consumption item of our post-industrialized societies: photograph. Using patchwork as a symbol for globalization, he creates a saturation of printings that leads to disgust, thereby involving the structure in the meaning of his exposed work.
